Wawi Navarozza, Manila, Philippinen
Wawi Navarozza ist eine Künstlerin/Fotografin aus Manila, Philippinen. Sie machte ihren Abschluss an der De La Salle University, Manila, und besuchte eine Weiterbildung am International Center of Photography, New York. In den letzten Jahren schloss sie ihr MFA-Stipendium European Master of Fine Art Photography am Istituto Europeo di Design, Madrid, ab.
Ihre Arbeit mit der Fotografie hat sich von stark stilisierten symbolischen Tableau vivants bis hin zu ihrem neueren Interesse an Landschaften, konstruierten Stillleben und Installationen entwickelt. Ihre Landschaftsfotografien suggerieren einen vertrauten "anderen Ort", der sich zu einem fabrizierten emotionalen Raum öffnet, der durch persönliche und kollektive Erinnerung und Amnesie geformt zu sein scheint.
Navarroza hat bereits zahlreiche Ausstellungen auf den Philippinen und international durchgeführt. Sie wurde für die Teilnahme an der Asian Art Biennale in Taiwan (2011) ausgewählt, "CUT: New Photography from South East Asia" VWFA, "Emerging Wave" Asian Contemporary Photography, Korea (2010), etc.
Einige Auszeichnungen sind: Stipendium des Asiatischen Kulturrats (2009), Lumi Photographic Art Awards, Helsinki (2011), Finalist des Singapore Museum Signature Art Prize (2011) und der nationale Preis der Triennale des Cultural Center of the Philippines: 13 Artists Awards (2012).
Navarroza hat auch als Dozentin an der De La Salle University und als unabhängige Kuratorin gearbeitet. Außerdem singt sie in der Post-Punk-Rockband The Late Isabel.
"100 YEARS BETWEEN US"
(NAVARROZA-HOMMAGE ZUM HUNDERTSTEN GEBURTSTAG VON KAHLO)
Wawi Navarroza im Gespräch mit Manfred Zollner, FotoMAGAZIN, Deutschland
Manfred Zollner: Was hat Sie an dem Kahlo-Projekt gereizt?
Wawi Navarroza: Einhundert Jahre nach der Geburt von Frida Kahlo wurde ich vom Instituto Cervantes de Manila beauftragt, an einer Ausstellung zum hundertjährigen Jubiläum ihrer Geburt (1907-2007) mitzuarbeiten. Der Kurator Jose Fons Guardiola sah meine Einzelausstellung im selben Jahr und fand, dass meine Werke und ich an sie erinnerten. Jetzt muss ich ehrlich sein... Ich kannte das Werk von Frida Kahlo nicht. Ich kannte nur ihre Persona. Ihr Image. Und gerade deshalb fand ich es interessant. Wie oberflächlich mein anfängliches Wissen war - wie wir alle -, wenn es darum geht, wie wir Ikonen und Figuren der Populärkultur betrachten. Theoretisch interessierte ich mich für die Identitätsvorstellungen, die Frida Kahlo ganz klar vertrat... und die ich in meiner Arbeit speziell mit der Fotografie und dem aufgezeichneten Bild verband. Andererseits war ich im Grunde meines Herzens neugierig und begierig darauf, mehr über sie zu erfahren, und zwar auf eine persönliche Art und Weise, ohne den Lärm der Medien und anderer kommerzieller Fälschungen. Die erste Absicht war eine Hommage und dann ein Kommentar, der die Fotografie nutzt, um über unsere Rezeption von Bildern zu sprechen. Ich wollte die Ikonographie ihres Bildes kennenlernen, unsere Faszination für die offene Wunde.
MZ: Welche künstlerische Herausforderung hat dieses Projekt für Sie mit sich gebracht?
WN: Es besteht die Gefahr, eine "Hommage" zu machen und in die Falle zu tappen, eine berühmte Künstlerin, aber einen weltweiten mexikanischen Zeitgeist wie Frida Kahlo zu huckepack zu nehmen. Wie erzähle ich ihre Geschichte und beanspruche gleichzeitig dieses Werk als mein eigenes kritisches Werk? Ich habe einfach das getan, was mich meine Fragen geleitet haben und wie die Fotografie eine Rolle bei der Definition spielen kann. Für mich gibt es immer ein Bewusstsein für das Medium.
Die erste Herausforderung war die Recherche. Ihre Ikonographie ist auf viele verschiedene Arten romantisiert und kommerzialisiert worden, so dass ich viele dieser Schichten, die die Fakten hinter ihr verdecken, abtragen musste. Eine weitere Herausforderung war die Beschaffung der Materialien für die Kulissen und Kostüme. Es war eine häusliche Produktion. Ich habe es allein gemacht, mit der Hilfe meiner Familie, die die Blumen und Früchte vorbereitet hat, meinem damaligen Freund, der die Kamera bedient hat, einem befreundeten Maler, einigen Nachbarn, die die Kleider genäht und mir Kokosnüsse und eine Ziege geliehen haben. Alles wurde mit der Kamera aufgenommen, die Elemente wurden nicht digital zusammengesetzt. Es kam vor, dass ich die Objekte (z. B. den Tisch) manuell neigen musste, um die Perspektive auszugleichen. Ansonsten handelte es sich bei allen Techniken um grundlegende Fotografie und Beleuchtung.
MZ: Wie sind Sie an die Sache herangegangen?
WN: Ich habe damals viele experimentelle Schwarz-Weiß-Arbeiten gemacht, fast ausschließlich für meine Galerieausstellungen, aber für dieses Projekt wurde mir klar, dass ich es nur in Farbe machen kann. Mit Ausnahme von ein oder zwei Stücken, die ursprünglich von mir geschaffene Tableaus sind (The Painter's Garden, Inmortal), habe ich mich dafür entschieden, die Gemälde von Frida neu zu inszenieren und sie als Selbstporträts zu fotografieren. Das sind die beiden Dinge, die die mexikanische Künstlerin für mich bedeutet: ihre Gemälde und ihre Selbstporträts. Es gibt keinen anderen Weg, dies darzustellen, als den Spiegel sich selbst gegenüber zu stellen, die Gemälde in Fotografien zu kopieren. Und die faszinierenden Dinge zu sehen, die sie präsentieren.
Es gibt auch den Versuch, die Geschichten hinter den Werken, die sie gemacht hat, wieder einzuführen. Mein Werk Still Missing (You) zum Beispiel ist ein Wortspiel. Es basiert auf dem eher verborgenen Werk von Frida Kahlo "La Mesa Herida" (Der verwundete Tisch), einem ihrer größten Gemälde, das seit seiner Ausstellung in Moskau zusammen mit Diego Rivera in den 1950er Jahren bis heute für die Öffentlichkeit verloren ist.
One Hundred Years Between Us (Hundert Jahre zwischen uns) ist eine Reihe von Fotografien, die direkt von Frida Kahlos vorhandenen Gemälden übernommen und/oder nachgebildet wurden. Einige Bilder sind mit Text und kleinen Gedichten versehen, die den in Mexiko und in Kahlos Werken beliebten Ex-voto/retablo-Stil aufgreifen. Ich habe die Bilder ausgewählt, die mich am meisten angesprochen haben, und habe sie durch Nachspielen und manchmal auch durch das Zelebrieren der Parallelen in unserem Leben, die sich überschneiden, übersetzt.
Es ist nicht ungewöhnlich, dass es ein gemeinsames Pathos zwischen Mexiko und den Philippinen gibt, die beide einmal eine Kolonie Spaniens waren, beide auf demselben tropischen Breitengrad liegen, beide Länder sind heiter, warm und farbenfroh, haben eine gewisse Vorliebe für Musik und Sentimentalität und eine eigentümliche Dunkelheit, die meiner Meinung nach von der Armut und der Religion herrührt. Dies sind jedoch nur Beobachtungen und nicht der Hauptpunkt meiner Arbeit, aber die Geschichte lässt sich nicht leugnen. In gewisser Weise ist es also eine Halle der Echos. Parallelismen. Synchronizitäten. Vielleicht ist das ein bisschen weit hergeholt, aber ihr Vater ist Fotograf und mein Großvater auch, und vielleicht haben wir die gleiche Kleidergröße. Man kann ihr Parfüm in ihrem kürzlich entdeckten Kleid noch riechen. Es hat Farbflecken und Löcher von den Zigaretten.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Fotografien der Serie One Hundred Years Between Us eine Hommage von mir an Frida sind, die jedoch die Qualität einer nüchternen Nostalgie hat. Es ist ein geliehenes Leben, ein Tourismus des Scheins, eine Nachahmung, eine Hommage, ein Bild, das recycelt und wiederholt wird wie ein Lied, eine Hymne für eine gebrochene Zeit, die ihr Vertrauen in die Poesie und das Sentimentale verloren hat. Zugleich eine Feier des unapologetischen Weiblichen, der Blumen, der Früchte, der Kleider, der üppigen Erde und schließlich des erhabenen Herzens, das sich immer wieder selbst zurücknähen kann. Peng. Peng.
Diese Serie wurde 2007 im Instituto Cervantes de Manila, 2009 in der Verso Galeria Arte Contemporanea (Turin, Italien) und 2010 im Hangaram Museum, Seoul Arts Center (Seoul, Korea) gezeigt. Wawi Navarroza wird von der Silverlens Gallery, Manila, vertreten.
