Trow Emilia: Hockney und Kellner - Interpretationen des Kubismus
"Der Kubismus bleibt vielleicht die wichtigste Entwicklung in der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts" -- Cox, 2000
In diesem Essay möchte ich die kubistische Kunst definieren und aufzeigen, wie die kubistische Bewegung moderne Fotografen beeinflusst hat. Ich werde die einschlägigen Werke von Hockney und Kellner untersuchen und die Ähnlichkeiten und Unterschiede in ihren Interpretationen dieser höchst einflussreichen Kunstbewegung diskutieren.
Der Kubismus wurde 1907 geboren, als sich die beiden Künstler Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) in Paris trafen. Sie teilten die Vision, die Regeln der Malerei zu brechen und einen neuen Kunststil zu schaffen. Das Leben im neuen Jahrhundert war ganz anders: Die Technologie entwickelte sich rasant und zum ersten Mal drohte die Fotografie die Kunst zu verdrängen.
‘You can take in your hand; it is more like a perfume – in front of you, behind you, to the sides. The scent is everywhere but you don’t quite know where it comes from’ (Picasso)
Der Kubismus wird in zwei Formen unterteilt, den analytischen und den synthetischen. Der analytische Kubismus stammt aus der Zeit vor 1912 und wird so genannt, weil er das Motiv aus verschiedenen Blickwinkeln strukturiert zerlegt. Diese Fragmente werden dann auf der Leinwand zusammengesetzt, um ein vollständigeres und intellektuell befriedigenderes Bild zu schaffen, als es die konventionelle Perspektive bietet. Der synthetische Kubismus wurde nach 1912 entwickelt und gilt als die Geburtsstunde der Collage. Er wird eher durch einen Konstruktionsprozess als durch einen analytischen Prozess entwickelt. Außerdem ist er dekorativer, ansprechender und leichter zu interpretieren. Er besteht darin, verschiedene Materialien zu verwenden, um ein Bild zu erzeugen, z. B. Zeitungen, Stoff, Notenblätter.
David Hockney (1937) ist als englischer Maler, Grafiker, Bühnenbildner und Fotograf weltbekannt. Er ist eine der wichtigsten Figuren der modernen Kunst. Ich möchte seine Rolle als Fotograf untersuchen, insbesondere wie die kubistische Bewegung ihn beeinflusste und wie er sie als Kunstform durch das Medium der Fotografie weiterentwickelte. Hockney sah die Werke Picassos erstmals in den 1950er Jahren, einer Zeit, in der Picasso von vielen in der Kunstwelt kritisiert wurde. Hockney fand, dass Picasso "wunderschön zeichnete" und ihm viel über Abstraktion beibrachte.
Hockney war ein produktiver Fotograf; seine erste Kamera war eine 35-mm-Pentax. Als seine Kompositionen immer komplexer wurden, verwendete er weiterhin eine 35-mm- oder eine 110er-Kompaktkamera. In Anlehnung an die Wurzeln des Kubismus kann man in Hockneys Bildern sehen, dass sich die Oberflächen in verschiedenen Winkeln auftrennen. Hockney wollte Bilder schaffen, die drei künstlerische Elemente enthalten, die ein einzelnes Foto nicht haben kann, nämlich die Überlagerung von Zeit, Raum und Erzählung. Die ersten beiden dieser Elemente sind zentrale Themen des Kubismus. Indem er die Ideale des Kubismus in seine Fotografie einfließen ließ, schuf er Fotografien, die diese künstlerischen Elemente enthielten, die zuvor nicht erforscht worden waren. Er erklärte: "Der Kubismus war eine totale Vision". Hockney entwickelte eine Technik, bei der er Polaroid-"Verbinder" verwendete. Er experimentierte damit erstmals Ende Februar 1982 in Los Angeles. Diese bestanden aus einem 7 x 16 großen Raster von Fotografien. Die narrativen Aspekte sind schon in Hockneys frühesten Werken vorhanden, zum Beispiel in Abbildung 2 "Mein Haus, Montcalm Avenue" (Abbildung 3). Diese Serie von Fotografien nimmt Sie mit auf eine Reise durch sein Haus. Die Verbindungsstücke können mit detaillierten Beschreibungen von unbeweglichen Objekten verglichen werden, die aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden. Ein weiteres Beispiel ist "Sun on the pool, Los Angeles" (Abb. 3). Die Fotos sind von oben aufgenommen und bestehen aus siebenundsiebzig einzelnen Polaroidbildern. Diese Arbeit steht in engem Zusammenhang mit einer Aufnahme, die ich am Leuchtturm von Castle Cornet gemacht habe, wo ich meine Digitalkamera nahm und die Szene in verschiedenen Abschnitten fotografierte. Das Bild wiederholt sich zwar in jedem Bild, gibt aber einen wirklich abstrakten Look, der mir gefällt.
Hockney entwickelte seine Interpretation des Kubismus weiter und fertigte Fotocollagen an. Dabei handelt es sich um exzentrisch geformte Bilder, wie zum Beispiel My mother, Bolton Abbey, Yorkshire (siehe Abb. 4). Die zackigen Umrisse entsprechen dem Blickfeld des Auges. Im Gegensatz zur eher formalen Struktur der Tischlerarbeiten lenken diese Fotocollagen die Aufmerksamkeit viel dramatischer auf den Raum und die Umgebung. Sie bieten die Möglichkeit, eine Geschichte zu erzählen. Dies entspricht wahrscheinlich eher der Art und Weise, wie wir die Welt sehen, nämlich aus mehreren Blickwinkeln, die dann in unserem Kopf zu einem Gesamtbild zusammengefügt werden. Er erklärte dies:
"Der Kubismus ermöglichte die Idee der Collage, der Überlagerung einer Zeitebene mit einer anderen."
Diese Bilder zeigen eine geschichtete Zeit, die der Erzählung ähnelt, aber subtiler ist. Ein gutes Beispiel für die Zeitschichtung ist Abbildung 5: Das Bild zeigt eine Familie im Gespräch. Während sich die Personen bewegen, werden sie in unterschiedlichen Abständen fotografiert, aber es wird alles auf einmal gezeigt. Hockney hat das Bild dann so zusammengefügt, dass die Personen zwei Köpfe und zusätzliche Beine gebildet haben, was ein verzerrtes Aussehen ergibt.Hockney verwendet auch die umgekehrte Perspektive, z. B. in Jardin de Luxembourg, Paris (Abbildung 6), das aus einem Stuhl in umgekehrter Perspektive besteht; Objekte, die sich in der Nähe befinden, sind kleiner, und je weiter das Objekt entfernt ist, desto größer wird es dargestellt. Die Verwendung der Umkehrperspektive (die für einen westlichen Betrachter überraschend ist) ist in der Tat sehr alt, viele Gemälde aus der Zeit vor der Renaissance und aus Japan haben eine Umkehrperspektive, da sie es ermöglicht, mehr von der Szene zu sehen, so dass man fast einen Panoramablick auf ein Motiv erhält.
Thomas Kellner (1966) ist ein deutscher Fotograf, der zu den bedeutendsten Architekturfotografen der Welt zählt. Sein Werk ist auch von der kubistischen Bewegung beeinflusst. Kellners grundlegendes Interesse galt der experimentellen und konzeptionellen Fotografie. Nach einem abenteuerlichen Projekt, bei dem er die deutsche Grenze mit einer selbstgebauten Lochkamera fotografierte, besuchte er Paris. Er beschloss, statt einer unhandlichen Lochkamera seine normale Filmkamera zu benutzen. Er beschloss, ein Kontaktschaf aus fragmentierten Bildern des Eiffelturms im kubistischen Stil zu erstellen (Abbildung 7)
"Während seiner Studienzeit war Kellner stark vom Kubismus von Künstlern wie Braque und Picasso sowie von den Arbeiten des Malers Robert Delauney beeinflusst worden" (Skinner 2005).
Die Art und Weise, wie Kellner seine Bilder herstellt, ist einzigartig und unterscheidet sich von Hockneys Arbeit: Er erstellt seine Werke direkt auf Film. Er druckt jedes aufeinanderfolgende Bild von einer Filmrolle ab, wobei das letzte Bild ein Kontaktabzug ist. Je mehr Film, desto größer ist das endgültige Bild. Bei einem Film ist der endgültige Abzug zum Beispiel 20 cm x 24 cm groß, bei 36 Filmen 100 cm x 120 cm. Die Bilder werden nacheinander aufgenommen, dann werden die Streifen geschnitten und zusammengefügt. In meiner eigenen Arbeit habe ich diese Technik angewandt. Da ich einen Leuchtturm fotografierte, war es sinnlos, das Bild wirklich breit zu machen, also habe ich mich auf 4 Bilder oben und 6 an den Seiten beschränkt, um eine Serie von 24 Bildern zu erhalten.
Jedes Bild hat seine eigenen Anforderungen, spezielle Arrangements und Formen. Kellner plant eine Aufnahme akribisch, eine gleichmäßige Beleuchtung ist unerlässlich. Er verwendet einen Belichtungsmesser, um die beste Einzelbelichtung zu bestimmen, und verwendet ihn für jedes Bild. Das kann zwischen 30 Minuten und 4 Stunden dauern. Er skizziert ein Storyboard, um den Überblick zu behalten. Ich habe beim Fotografieren einen ähnlichen Plan verwendet, damit ich wusste, wie viele Bilder ich machen würde. Das bedeutete, dass ich die Bilder in gleiche Teile aufteilen musste, damit der ganze Leuchtturm mit der richtigen Brennweite hineinpasst. Kellner verwendete dazu eine Pentax MZS, Zoomobjektive und zwei Telekonverter.
Thomas Kellner wurde als "Dekonstrukteur der Architektur als visuelle Sprache" zitiert. Während Hockney vom menschlichen Leben und der dazugehörigen Erzählung fasziniert ist, liegt Kellners Interesse ganz auf der Architektur.
"Kellner stellt die grundlegende Wirkung der Architektur, ihre Stabilität, Dauerhaftigkeit und Ordnung, völlig auf den Kopf."
Die Idee der Fragmentierung eines Bildes deutet auf den Einfluss des Kubismus hin: "Er porträtiert große Architektur auf eine Weise, die nie beabsichtigt war, das Vertraute wird verwürfelt und neu zusammengesetzt - eine Technik, die an den Kubismus und Hockney erinnert.
Kellners Londoner Auge besteht aus 144 Einzelbildern
"um dieses beliebte Wahrzeichen in ein dynamisches Mosaik aus wiederkehrenden Mustern und Formen zu verwandeln" (Clark 2009) (Abbildung 8)
Kellner ist vorsichtig, wenn es darum geht, wie seine Arbeit beschrieben wird. Ich denke, ich bin eher ein Künstler als ein Fotograf" (Skinner 2005). Es gibt verschiedene Debatten über Fotomontage und Fotocollage. Im Jahr 2012 erklärte Kellner: "David Travis vom Kunstinstitut in Chicago war sich immer sicher, dass es sich bei meiner Arbeit nicht um eine Collage, sondern um eine Montage handelte, während Weston Naef die Collage als den einzig richtigen Begriff für meine Arbeit bezeichnete". Darin unterscheiden sich seine Arbeiten von denen Hockneys, denn er zerschneidet sie nicht in Stücke und fügt sie dann wieder zusammen. Kellner glaubt auch nicht, dass seine Arbeit als "Joiner" definiert werden kann.
"Es ist wirklich kompliziert - etwas zu benennen, ohne dass es Definitionen gibt" (Kellner 2012)
Als ich Kellner fragte, ob Hockney seine Arbeit in irgendeiner Weise beeinflusst habe, antwortete er: "Als ich mit der Arbeit begann, kannte ich nur ein einziges Polaroid-Raster, das Hockney produziert hatte, und das war in einem Ausstellungskatalog der Kunsthalle Bielefeld über experimentelle Fotografie" (2012).
Nach seinen ersten Eiffelturm-Fotografien sah er 1999 eine Hockney-Ausstellung in Köln
"Kellner ist näher an David Hockney und seiner Idee, etwas mit mehreren Bildern zu erfassen, da eine einzige Fotografie einfach nicht ausreicht. (...) Thomas Kellner fotografiert also nicht Architektur, sondern Wahrnehmungen von Architektur. Er rekonstruiert unser Bildgedächtnis. Er dokumentiert nicht, er archiviert." (Misslebeck 2002)
Kellner unterscheidet sich von Hockney eindeutig in der Methodik, die er anwendet, nämlich Bild für Bild zu berechnen und in genau der gleichen Reihenfolge und Größe zu drucken, wie er sie aufgenommen hat. Sie sind weder ausgeschnitten und in eine Collage eingefügt noch haben sie einen erzählerischen Stil oder ein Zeitgefühl wie Hockney. Dennoch sind sie wichtige, einzigartige Kunstwerke, die architektonische Ikonen widerspiegeln. Nach dem Anschlag auf das World Trade Center erklärte Kellner
‘I am still thinking about the parallels that my pictures have with that tragedy. These buildings that I photograph, like the Twin Towers, have become metaphors for a culture in fragments’ (Skinner 2005)
Mein Lieblingsstück von Kellner ist die Tower Bridge in London (Abbildung 9). Jeder der Türme wurde neu geformt und gleichzeitig gestreckt, was ihm neue Dimensionen und Höhe verleiht und ihn fast mystisch erscheinen lässt.
Die kubistische Kunstbewegung hat viele Menschen beeinflusst und dazu beigetragen, einen Großteil der Kunstwerke, die wir heute sehen, zu definieren, darunter auch die fotografischen Arbeiten von Kellner und Hockney. Wie von Bate (2009) zitiert: "Der Einfluss der Kunst auf die Fotografie kann nicht unterschätzt werden". Kellner und Hockney haben die Grenzen natürlich weiter verschoben, beide beschäftigen sich mit der Beziehung zwischen der Darstellung realer Räume und Orte und ihrer virtuellen Entsprechung des Kubismus. Die Fotografie hat ihrerseits die Idee der Kunst verändert" (Benjamin 1931).
BIBLIOGRAPHIE
Bücher:
Bate, David, Photography - The key concepts, New York: Berg, 2009
Cunningham, Robert, Art explained, London: Dorling Kindersley Limited, 1995-2007
Cox, Neil, Cubism, London: Phaidon Press Limited, 2000
Joyce, Paul, Hockney on photography, London, Jonathan Cape Limited, 1988
Wye, Deborah, A Picasso portfolio: from the museum of Modern Art, New York, 2010
Rochon, L, Mission Control Exposed! Unique vision of mission control through the lense of photographer Thomas Kellner, Roundup, Pictures in time, 2010
Clark, David, Photography in a 100 words, London, Focal Press, 2009
Skinner, P, Thomas Kellner, Reconstructive iconographer, Rangefinder, 2005 pages 100-112, 118-119
Webseiten:
www.huntfor.com/arthistory/C20th/cubism.htm
www.metmuseum.org/toah/hd/cube/hd_cube.htm
www.tate.org.uk/collections/glossary/definition.jsp
www.luminous-lint.com (Thomas Kellner – Dancing walls Article)
Video:
www.youtube.com/watch
Bilder:
Abb 1 - Picasso, The Guitar Player, 1910. Oil on canvas, 100cm x 73cm.
Abb 2 – Hockney, Sun On the Pool, 1982 composite Polaroid, 343/4 x 36 ¼ inch.
Abb 3 – Hockney, My House, Montcalm Avenue, 1982
Abb 4 – Hockney,
Abb 5 - Hockney, George, Blanche and Celia Albert, London (January 1983)
Abb 6 – Hockney, Jardin de Luxembourg, Paris (1985)
Abb 7 – Kellner, Paris Tour Eiffel, 1997
Abb 8 – Kellner, London Eye 2001
Abb 9 – Kellner, London Tower Bridge 2001
